Sandeep Narayan -interviewet: 'Jeg vil have, at min koncert skal være så ægte og så ægte som muligt'

Karnatisk klassisk vokalist Sandeep Narayan tror på nutidige værdier, selvom han praktiserer det, der betragtes som en konservativ kunst. Nysgerrig efter at vide, hvem der var stjernemusikeren, der trænede ham og formede hans perspektiver inden for kunst og liv? Læs denne engagerende samtale.

Karnatisk klassisk vokalist Sandeep Narayan optræder ved en koncert. (Ekspresfoto: Ramanathan Iyer)

At tage et barn ud af skolen i USA i sine dannelsesår og sende ham til Chennai for at lære karnatisk musik var en ganske uortodoks idé i 1990'erne. Ingen havde gjort det før, men Narayanerne i Los Angeles var så elskede af karnatisk musik, at de troede, at deres talentfulde søn ikke måtte gå glip af den fordel, børn på hans alder nød i Chennai.

Deres søn var bare 11 år gammel og var naturligvis tilbøjelig til musik, fordi alt, hvad han hørte hjemme siden sin tidlige barndom, var karnatisk musik. Han havde lært karnatisk musik siden han var fire år fra sin mor Shubha Narayan, der selv havde en kendt musikalsk stamtavle. Men da den unge dreng blev for legende, mente hans forældre, at han formelt skulle lære af en anden guru. De spurgte den chennai-baserede fløjtemaestro N Ramani, der underviste Sandeeps ældre bror i fløjte, om han kunne hjælpe. Efter betydelig eftertanke foreslog Ramani, at drengen skulle komme til Indien og lære af Calcutta KS Krishnamurthi, en kendt musikolog og en meget efterspurgt lærer for seniorartister.

For Krishnamurti var anmodningen lidt usædvanlig, fordi han ikke havde lært nogen NRI'er, endsige et barn, undtagen sandsynligvis dem fra familier, der permanent havde flyttet til Indien. Han gav det et forsøg på grund af Ramani, var imponeret over drengens tidlige træning og skarpsindighed og lod ham lære under ham.

Drengen opholdt sig i Indien i omkring 18 måneder hos sin mor og gennemgik en ganske streng uddannelse under Krishnamurti, der var fyldt med klasser, koncerter og ubarmhjertig praksis. Da han vendte tilbage til USA, havde han et solidt fundament, en meget stærkere tilhørsforhold til klassisk musik og et dybt ønske om at gøre det stort inden for karnatisk musik. Han fortsatte med at træne under Krishnamurthi gennem sine optagelser og direkte klasser i Chennai i sommer- og vinterferier.

Læs | Akkarai Sisters: 'Karnatisk musik er en spontan kunst, ikke noget der kan øves til perfektion'

Desværre for drengen døde Krishnamurti på tre år, og han efterlod ingen lærer af lignende kaliber. Men denne gang behøvede familien ikke at søge efter en anden guru, fordi drengen, nu i teenageårene, allerede havde sat øjnene på en ny guru, som allerede var en stjerne i sig selv og en højtstående discipel i Krishnamurti . Drengen, der stadig er baseret i USA og foretager halvårlige ture til Indien, lærte af sin nye guru i de næste 15 år, og er nu en af ​​de få nutidige karnatiske musikere, der har indarbejdet en stil, der er unik for hans egen guru. Træningen med den nye guru var livsændrende, og drengen flyttede permanent til Chennai i 2006 efter at have afsluttet sine bachelorstudier. Han er nu en af ​​topstjernerne i den yngre generation af Carnatic-musikere og det første indisk-amerikanske barn nogensinde, der gjorde Carnatic-musik til en karriere i Indien.

Dette er historien om Sandeep Narayan, den seje fyr af karnatisk musik, der er kendt for en stil, der er rig på klassicisme, udtryk og improvisation. Han er en prime-time sanger i Chennais Sabhas inklusive Madras Music Academy og er også en meget eftertragtet klassisk performer i andre indiske byer. Han er også en af ​​den yngre generation klassiske musikere, der er i stand til at tage kunsten til den nye generation og cross-over publikum.

Sandeep, begavet med en attraktiv stemme, der er fleksibel og i stand til ubesværet at bevæge sig over oktaver og kendt for sin dybt udtryksfulde stil, er en dejlig performer, der tiltrækker imponerende kendere af klassisk musik fra alle aldersgrupper både i Chennai og andre steder. Han er ganske dygtig til alle aspekter af klassisk sang, og hans stil er rig på velskulpturerede gamakas, brigas og attraktive musikalske lyde, der gør karnatisk musik tiltalende selv for lægfolk. Den iboende laya i hans sang, både i langsomme og høje hastigheder, giver en vis klarhed, poise og en behagelig gang til hans musik. Hans gennemtænkte klassiske teknikker og informeret eksponering for andre former for musik og kunst gør hans improvisationer charmerende og overbevisende, uanset om det er i ragasang, neraval (improvisation af at synge et afstå fra hovedkompositionen), kalpanaswaras (hvor sangeren deltager i en fantasifuld præsentation af ragas noter) og vigtigst af alt, Raga Tanam Pallavi (RTP), der benchmarks den tekniske og kreative alsidighed for en Carnatic sanger.

Sandeep modtager mange regionale og nationale hæder. Han har været en bedste koncertartist på Musikakademiet og modtaget af mange titler som Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar fra Sangeet Natak Akademi sidste år.

hvilken slags yucca plante har jeg

Det, der gør ham lidt unik, er også, at han ikke er en konservativ Carnatic-sanger i gammel stil. Sandsynligvis kan du kalde ham en samtidskonservativ, hvilket betyder, at han tror på nutidige værdier, selvom han praktiserer det, der betragtes som en konservativ kunst. Og musikere som ham demonstrerer, at selv en ældgammel kunst som f.eks. Karnatisk musik kan være ganske nutidig og fremadrettet.

Nysgerrig efter at vide, hvem der var stjernemusikeren, der trænede ham og formede hans perspektiver inden for kunst og liv? Læs denne engagerende samtale.

Sandeep Narayan modtager SNA Yuva Puraskar fra Manipur -guvernøren Najma Heptullah i 2019.

Lad mig starte forfra. Du var en banebrydende som det første indisk-amerikanske barn, der valgte at forfølge karnatisk musik som en karriere i Indien. Hvordan skete det, og hvad føler du, når du ser tilbage? Var du nødt til at gennemgå mange livsstilsjusteringer?

På det tidspunkt vidste jeg nok ikke, hvad jeg skulle gøre, og det var lidt af et eksperiment, der til sidst virkede. Jeg vidste bestemt, at jeg ville være inden for karnatisk musik, og det kunne kun gøres i Chennai. Med hensyn til livsstilsjustering havde jeg ikke et problem, fordi musik var vigtigere end noget andet: at lære musik, gå til koncerter og til sidst optræde. Det var målene. Faktisk er jeg ikke enig med folk, når de siger, at levestandarden er noget mindre her, fordi det afhænger af, hvad du leder efter, og hvad dine værdier er. Jeg kan argumentere for, at levestandarden faktisk er bedre her. Du får mange ting, der gør dit liv lykkeligere her, lettere. For eksempel, hvis jeg vil have en kop chai, behøver jeg ikke at køre til Starbucks, jeg kan gå et par meter til enhver te -kadai (butik)! Jeg har også vidunderlige venner her. Helt ærligt er jeg ret glad.

Var det let at justere med en indisk guru i et musiksystem, der fremstår ret konservativt selv i dag?

Min første guru i Chennai, KSK Mama (KS Krishnamurti), var ikke særlig ortodoks, og vi kom meget godt ud af det. Det var sjovt, at der var denne 11-årige knægt med en meget stærk amerikansk accent, der ville lære musik af en senior vidwan. Han var lidt skeptisk, men efter at have hørt mig synge var han glad. Efter vores første klasse fortalte han mig, at han ville begynde at undervise mig på et højere niveau, fordi han troede, jeg var mere dygtig end børn på min alder. Noget klikker bestemt mellem os.

Du var kommet til Indien siden 1996 for at lære under Calcutta Krishnamurti, og ved hans bortgang flyttede du til en anden guru og lærte under ham i lang tid, indtil du blev helt uafhængig. Kan du beskrive din udvikling som musiker i Chennai?

KSK Mama opmuntrede mig til at udforske manodharma ganske tidligt. Indtil da havde jeg lavet meget lidt improvisationsmusik som alapana, neraval, swaras osv. Han lærte mig også mange nye ragas og gav en anden retning og dybde til min musikalske jagt.

I 1999, da han døde, måtte jeg lære af en anden, og den eneste person, jeg havde i tankerne, var Sanjay Subrahmanyan. Jeg kendte ham, selv før jeg gik til KSK Mama, fordi vores familie havde mødt ham under hans koncerttur i USA i 1995. Selv som barn var jeg en stor fan af ham og havde fulgt ham religiøst siden 1996-97. Når jeg var i Chennai, plejede jeg at gå til hans koncerter og sidde på første række. Han lærte også af KSK Mama sammen med andre kendte kunstnere som Sudha Raghunathan og P Unnikrishnan, blandt andre. Jeg blev virkelig stjerne og syntes også, at det var fedt, at jeg lærte af den samme guru, som Sanjay Subrahmanyan også lærte af.

Læs | Publikum kommer for at nyde musik, ikke for at se din matematiske trolddom: Neyveli Venkatesh

Så da min guru ikke var mere, spurgte jeg Sanjay, om han kunne lære mig det. Jeg var helt sikker på mit valg, men han var lidt tøvende, fordi han troede efter at have lært af KSK Mama, som var meget senior og meget ældre, at jeg skulle fortsætte med nogen af ​​den generation. Men for mig passede Sanjay perfekt. Jeg kom så godt ud af det med ham, og det kunne mine forældre også lide.

Med mig og Sanjay var det en no-brainer. Vi plejede at tale om sport, film, andre musikstile osv.

Lærer du stadig af ham?

Jeg plejede at lære af ham regelmæssigt indtil omkring 2014-15. Efterhånden blev undervisningen sjældnere på grund af min stigende rejse og hans allerede travle rejseplan. Han ville også have mig til at lære og udvide på egen hånd. Jeg er mere selvstændig nu med min læring, men jeg rådfører mig med alle musikforespørgsler, jeg har fra tid til anden. For eksempel, for to år siden sendte jeg en besked til ham, hvis jeg kunne lære et par sange, og han forpligtede sig straks. Selv i dag, hvis jeg har noget at præcisere i musik, går jeg til ham.

Som du ved, finder folk meget indflydelse på Sanjay i din musik, herunder nogle gestus, lydmåde, sangathis osv.

Ja, jeg ved det (griner). Men dem, der følger Sanjays og min musik, har også lagt mærke til, hvordan og hvornår jeg har afveget fra Sanjay Sirs stil. De, der lytter forbifarten og ved, at jeg er hans elev, vil naturligvis lave denne sammenslutning og kommentere eventuelle ligheder, reelle eller opfattede.

Den anden indflydelse er også hans tilgang til selve koncerten. Der er et vist niveau af professionalisme, som han har, og det har også smittet af på mig, som jeg er ham meget taknemmelig for. Han respekterer andre kunstnere, organisationer og publikum. Han har fortalt mig: Tro aldrig, at publikum er dumme. Tag dem aldrig for givet. Det er en ting, jeg altid husker og forsøger at holde mig til i mine koncerter. Hans fokus og alvor er frygtindgydende: han ejer den hal, hele rummet, når han er til koncert.

Det er bedre at kalde vokalist Sandeep Narayan en samtidskonservativ, hvilket betyder, at han tror på nutidige værdier, selvom han praktiserer det, der betragtes som en konservativ kunst. (Ekspresfoto: Rajappane Raju)

Sanjays stil handler meget om innovation. Hvor innovativ er du på scenen?

Jeg går måske til en koncert og tænker på, at jeg især skal synge noget den dag, men det fungerer ikke altid sådan. I stedet kan der ske noget andet. Se, der er meget musik i dit hoved, mens du sidder på den koncertscene på grund af din konstante lytning og læring - fra populær til klassisk - og pludselig dukker der noget op i dit hoved. Når sådanne ting sker, kan jeg godt lide at undersøge det. Det er bestemt en ting, jeg fik fra mine guruer og andre kunstnere. Hvis der kommer noget i dit hoved, skal du undersøge det. Sig ikke nej. Se, hvad du kan gøre med det inden for rammerne af vores struktur, så det ikke bliver til noget andet. Karnatisk koncert er ikke en filmmusikkoncert, det er heller ikke en fusionskoncert, men inden for dens rammer er der stadig mulighed for kreativitet. Sådan kan jeg godt lide at gribe det an.

Du havde været kendt for uophørligt at træne i timevis sammen i dine første år. Nu hvor du har travlt med koncerter og ture, hvordan håndterer du det?

Under min seneste turné i USA spurgte mange børn mig, hvor meget man skulle øve for at nå et bestemt niveau. Mit svar på det var, at der ikke er nogen formel. Der var aldrig en formel for mig. Og det handler bestemt om kvalitet frem for kvantitet. Du skal bare blive ved med at arbejde hårdt og have tillid til dig selv om, at tingene klikker en dag. Da jeg boede i USA, var praksis meget vanskeligere med skole, college osv. På college var selv et sted at finde et sted et problem, fordi jeg delte lejlighed med tre andre. Men i de dage lyttede jeg til meget musik for at kompensere for det, og når jeg gik hjem hver måned, ville jeg øve mig i 2-3 timer hver dag. Da jeg flyttede til Chennai, var der ikke så mange problemer, og jeg var i stand til at øve mindst 2-3 timer om morgenen og yderligere 2-3 timer om eftermiddagen eller aftenen regelmæssigt. Jeg plejede også at gå til koncerter næsten hver eneste dag, uanset hvem artisten var. Med andre ord fyldte jeg hele min tid med musik på det tidspunkt. Meget af det var gentagelse.

Gentagelse er, hvordan videnskaben fungerer. Du gentager, du perfekte, ikke sandt?

Ja, noget eleverne i dag bør huske på, er, at de ikke bare skal lære en sang og derefter gå videre til den næste. En ting, der tidligt blev boret ind i mit hoved, var, at du skal synge en sang hundrede gange. Det var, hvad de bedste kunstnere, især fra før, vidste og gjorde. Et eller andet sted i midten blev det glemt med mange håbefulde musikere. Og jeg indrømmer, at jeg nogle gange endda er offer for den holdning: Jeg tror, ​​jeg har lært en sang, jeg har sunget den et par gange, og nu vil jeg synge den i en koncert hurtigst muligt. Det fungerer muligvis den dag, og jeg er muligvis sikker, men når jeg synger den samme sang efter en måned, to måneder eller seks måneder, ville den dages version og den første version være miles fra hinanden. Når du synger en sang første gang, reciterer du den bare, men når du øver den så mange gange i løbet af en periode, kan den blive din sang. Du reciterer ikke noget udenad længere, det er en del af dig. Det ser jeg også i dag. Gentagelse er en ting, jeg har indset gennem årene som så vigtig. Jeg synger varnams igen og igen. Forskellige hastigheder, med forskellige gamakam -udforskninger, forskellige ting som det.

Nu med koncerter og rejseplaner har jeg ikke kunnet øve mig så meget, men jeg forsøger at afsætte mindst en eller to timer om dagen. På rejsedage vil øvelsen være som en koncertoptagelse: hvad man skal synge og hvad man skal undgå, fordi jeg ikke ville gentage de sange og ragas, jeg ville have sunget på samme sted tidligere. For eksempel, denne gang da jeg skulle til Chembai -festivalen i Guruvayoor, indså jeg pludselig, at jeg ikke har sunget Rasavilasa (Swathi Thirunal -sang i raga Kamboji) i meget lang tid. Så under bilturen fra Coimbatore lufthavn til Guruvayoor lyttede jeg til en optagelse af den og forsøgte at genopfriske min hukommelse. Til sidst endte jeg ikke med at synge den, fordi der var en anmodning om en anden sang, men jeg er glad for, at den er tilbage i min hukommelse, og jeg planlægger at synge den snart igen.

Karnatiske musikere er kendt for at anvende forskellige stemmeteknikker til at perfektionere deres sang, nogle gange endda ved hjælp af stemmespecialister. Har du nogen?

Det, jeg har indset, er, at vores musik selv har så mange indbyggede øvelser. Selv de grundlæggende ting som sarali-varisai og janta-varisai er øvelser i sig selv. Desværre er de blevet mærket som begynderens springbræt til at lære et varnam, og når du er færdig med det, flytter du til swara jathis og geetham og plejer ikke at se tilbage. Men disse ting er tidløse. Det er så gode øvelser, der er blevet lagt til os. Den sidder lige der i dine første geetham -bøger. Jeg synger nogle gange dem i forskellige ragas og med forskellige hastigheder, samtidig med at jeg bevarer klarheden. Det er i sig selv en fantastisk stemmeøvelse. Det er blevet en sjov udfordring for mig.

Sandeep Narayan optræder ved en koncert i Chennais Kapali -tempel i 2019.

Selv Varnams er så gode øvelser. Hastigheden går langsomt til hurtigt, melodien spænder ofte fra meget lav til meget høj, og vi laver swaram, sahithyam osv. Alt i det. Så stemmeøvelserne følger faktisk med vores musik. Vi skal bare udforske og udnytte dem korrekt.

Men jeg har også diskuteret med uddannede fagfolk om de typer af opvarmnings- og afkølingsøvelser, der kan hjælpe med at opretholde din stemme. Vi synes normalt ikke, at nedkøling er nødvendig, men det er som enhver anden muskel og enhver anden træning i et fitnesscenter, og på samme måde er disciplin og øvelse påkrævet i begge.

I dag er der stor efterspørgsel efter variation, og derfor skal en kunstner konstant udvide sit repertoire. Sætter det pres på dig?

Måske for årtier siden kunne man synge det samme sæt sange igen og igen i by efter by og også polere disse sange i processen. I dag, dog med fremkomsten af ​​sociale medier og digitale platforme, kan du ikke gøre dette så meget. Hvis jeg synger en sang eller raga ét sted, ville alle i andre byer lære det at kende næsten med det samme. Hvis jeg snart gentager det i en anden by, ville de sige, at jeg synger de samme sange overalt og kommenterer, at jeg måske ikke ved noget andet! Så at synge nye sange oftere er blevet noget af en nødvendighed. Bagsiden er, at hvis du konstant synger nye ting, kan du ikke komme dybere ind i de sange, du vil mestre. Så det kan helt sikkert være et stort pres. Som jeg nævnte tidligere, bør man ideelt set synge en sang flere gange, før den præsenteres offentligt, hvilket også kan lægge en belastning på stemmen, når man hele tiden forsøger at opdatere repertoiret for hver koncert.

Abhishek Raghuram -interview: 'Der er ikke noget rigtigt og forkert i kunsten. For mig handler det om selvudfoldelse '

Min tilgang er at bringe en friskhed selv i gamle sange, udover at synge nye. Det er ikke kun for publikum, men også for mig selv. Hvis jeg synger noget i dag, som jeg sang for 20 år siden, og hvis det stadig lyder det samme, betyder det, at jeg som musiker ikke er vokset. Selvom kunstnere sandsynligvis kunne være sluppet med at synge en sang oftere end i dag, har jeg også bemærket, at de største artister ikke bare fandt noget, der virkede og blev ved med at gøre det samme. I stedet fortsatte de for det meste med at udvikle sig. Du ser en sådan ændring og modenhed i deres musik gennem årene.

Men de tidligere mestre havde ikke denne form for pres for at udvide deres repertoire

Jeg ved ikke med sikkerhed, hvilket pres de tidligere mestre havde eller ikke havde. Men jeg formoder, at det kan være rigtigt, og derfor kunne de synge nogle af deres varemærkesange, der blev deres hits, som vi forbinder med dem. Lad os ikke glemme, at de introducerede nye sange og raga. Jeg blev introduceret til nogle hindustanske ragas som Durga og Gavathi gennem GN Balasubramaniams musik. Nogle gange gjorde de raga berømt og nogle gange raga gjorde dem berømte. Men der var dynamik selv i denne tilgang. Sangen kan være den samme, men de bragte sådanne nye ideer til swara-sang, neraval osv. Som du ved, refererer folk endda til disse sange efter deres indspilningsdatoer. Kunstner X sang en uforglemmelig sang Y i år Z. Hvorfor gør folk det? For selvom sangen eller ragaen er den samme, er gengivelsen ikke. Hvis du føler, at en kunstner efter fire koncerter lyder det samme, har du måske ikke lyst til at lytte til ham/hende mere. Succesfulde kunstnere fra før og i dag har altid undgået at falde i den fælde. De bringer noget andet med hver forestilling.

Sandeep Narayan optræder ved en koncert på Carnegie Mellon University, Pennsylvania, i 2013.

Mange tidligere mestre, som folk idoliserer nu, havde ikke fået behørig anerkendelse i deres tid. Følger du noget af deres arbejde?

Der var nogle kunstnere, som vi ofte føler var undervurderet i løbet af deres tid i forhold til deres faktiske kompetence og bidrag. Folk taler altid om MD Ramanathan som et eksempel på det. Jeg føler, at Thanjavur S Kalyanaraman også var sådan. Og selvom Madurai Somasundaram havde en hel del succes i sin tid, ser det stadig ikke ud til, at han går ned i historiebøgerne på lige fod med nogle af hans jævnaldrende af den tid uanset årsag. I 2019 fejrede vi hans fødselsårsjubilæum, Somu 100, mange steder, men før dette ville man næppe høre folk diskutere hans navn og hans musik i de seneste år. Det synes jeg er ret mærkeligt.

Er det ikke underligt, at folk taler mere om Kalyanaraman nu?

I dag er han en kulthelt. Jeg tror grundlæggende, at han var forud for sin tid. Faktisk hører jeg en masse interessante anekdoter om SKR fra hans disciple, familiemedlemmer og venner, der kendte ham personligt. En af dem er, hvordan han forskede meget i stemmeteknikker for at forbedre sine egne evner. På grund af disse teknikker kunne han opretholde præcision i sruthi og laya. Faktisk fik jeg at vide, at han plejede at sidde alene om natten, når alt var stille og lave sine stemmeøvelser. Han havde også udforsket dwi-madhyama panchama varjya ragas, noget der var et begreb, ingen rigtig havde udforsket meget, og var ekspert i vivadhi ragas. Folk ser på hans værk med stor ærefrygt i dag. Eller det gør jeg i hvert fald.

Når jeg bliver spurgt, hvem der er den eneste person, jeg ville ønske, jeg kunne have mødt og tilbragt tid med, er det altid ham, der kommer til at tænke på mig.

Da du kommer fra et andet sociokulturelt miljø og er udsat for andre former for kunst og musik i verden, påvirker det din musik?

Jeg har altid lyttet til en masse westernpop, rock, R&B, Hip Hop osv. Selv i dag gør jeg det. Mine Spotify -afspilningslister er en blanding af amerikanske og britiske artister samt indiske. At lytte til ikke-karnatiske musikstile er ofte en frigivelse eller lettelse for mig. Karnatisk musik får mig altid i dybt fokus og har hjernen konstant på. Den eneste måde for mig at slukke det eller gå væk fra det i en pause, er at lytte til andre stilarter. Men jeg ved ikke, hvor meget af det, der har påvirket min Carnatic -musik. Jeg tror ikke, jeg kan bringe rap eller Hip Hop til carnatic (griner)!

Men der kan være elementer i populærmusik eller andre former, der kan berige eller tilføje farve til din klassiske musik

Jeg vil sige, at gamle filmsange har en tendens til at gøre sig lettere til karnatisk musik, især hvis de er raga -baserede. Eller forskellige rytmiske mønstre fra andre stilarter. De er måske ikke traditionelle, men vi kan bringe dem ind på vores musik meget lettere. Normalt en lille smule fra Jazz, fordi der er mange paralleller. Jeg synes ikke, rockmusik egner sig for meget til Carnatic uden at gå ind i fusionsgenren.

Jeg synes, at jazz er den vestlige, eller rettere amerikansk, ækvivalent til karnatisk musik. Begge ligner improvisationsmusik. Jeg undrer mig ofte over, hvorfor folk ikke prøver jazzteknikker i karnatisk musik, fordi det ville gøre koncerter mere farverige, selv uden at miste sin klassicisme eller alvor

Ja du har ret, Jazz er tættest på Carnatic. På grund af det almindelige udtryk klassisk sammenligner alle sydindisk eller nordindisk klassisk musik med vestlig klassisk som standard. Men hvis man ser på det tekniske og koncertpræsentationen, ligner Jazz mere Carnatic -musik. Selvom de for eksempel har en refrein, har vi en linje fra en sang eller en pallavi i raga-tanam-pallavi. Pallavi er det samme som at tage et refrain som i Jazz og lave en improvisation igen og igen. Tanam ligner i mellemtiden til at scatte. Vi tager bare et par stavelser, der ikke har nogen lyrisk betydning og blander melodi og rytme sammen.

En anden parallel er det niveau af færdigheder, du har brug for

Selv med hensyn til træning ligner det meget Carnatic musik. Deres færdigheder eller uddannelse kan handle om at synge, spille klaver, saxofon eller trommer. Det er en teknisk uddannelse. Og de lytter meget. Jazzkunstnere spiller eller lytter konstant til noget. Når de mestrer de tekniske færdigheder, kommer deres kreativitet efter et bestemt punkt ind, fordi de også lytter meget. De har den tekniske ekspertise til at gøre, hvad der er i hovedet. Denne besked fra hjernen til din stemme eller fingre bliver taget hånd om på grund af dine tekniske færdigheder. Det er det samme også i Carnatic.

Et stillbillede fra MadRasanas Gopala Gokula Music -videooptagelse.

Men det er mærkeligt, at jazzmusikere kom fra fattige baggrunde, mens Carnatic har en anden sociokulturel profil, der undertiden beskyldes for endda at være eksklusiv

Det har sandsynligvis noget at gøre med, hvordan kulturen udviklede sig i et fællesskab. Ja, demografien er meget kontrasterende, hvorimod træningen, stilen og den måde, vi kommer på ideer er så ens. Som en parallel struktur. Fra næsten begyndelsen.

Men i Carnatic, er der ikke en form for regimentation selv i improvisation, fordi den styres af et gammelt konservativt system?

Godt, jeg vil sige, at der stadig er nogle regler selv i Jazz: de har en rytmisk cyklus i gang, og selvom de ikke følger en raga, som vi gør, har de en tilstand eller en skala. Der er visse noter, der kommer i denne tilstand, rækkefølgen af ​​noterne er måske ikke særlig streng, og en gang imellem vil de bringe en udenlandsk note ind bare for kontrasten, men de går tilbage. De følger for det meste deres skala, hvilket ligner det, vi gør. Ja, du har dog ret. I Carnatic musik finder jeg, at der er nogle mennesker, der forsøger at pålægge mange regler.

Nogle gange lyder selv en lille ufuldkommenhed godt, ikke sandt?

Jeg tror ikke på den rigtige og forkerte form for tilgang. Det ligner mere på godt og ondt. Og dette kan bedømmes ud fra en kunstners oplevelse og modenhed. For eksempel er der en identitet for en raga. Du behøver ikke at høre alle noterne i skalaen for at vide, at det er en Todi eller en Sankarabharanam. Fra en sætning kan du vide, hvilken raga det er. Hvordan identificerer du en raga, selvom jeg ikke har sunget alle tonerne? Og hvor kommer dette rigtige og forkerte fra? Musikpræsentation skal handle om æstetikken og den forbindelse, den skaber. Jeg kan personligt ikke lide indførelsen af ​​sådanne regler for hver lille ting.

Tidligere sangere som Madurai Somu og nutidige musikere som Sanjay Subrahmanyan har mange utraditionelle elementer i deres musik, der gør dem til en genre alene. Er du ikke inspireret til at gøre noget lignende?

De er bestemt meget inspirerende kunstnere for mig. Men jeg vil ikke bevidst gøre noget utraditionelt bare for at have min egen genre. Måske en dag vil jeg se tilbage og se, at jeg gjorde utraditionelle ting, men jeg ville gerne have, at det hele var naturligt og kom på det rigtige tidspunkt på egen hånd. Måske vil det resultere i en anden genre, som du siger. Meget af tiden kan jeg bare lide at lytte til noget og værdsætte dets skønhed, frem for at dissekere det og beslutte, om det er konventionelt, eller om det er kommet ind i et nyt rum. De nye rum vil dannes organisk, efterhånden som jeg vokser, og efterhånden som min musik modnes endnu mere.

Hvor vigtig er din forbindelse til publikum?

Det er ekstremt vigtigt for mig. Hvis jeg synger i en mørk hal, vil jeg bede arrangørerne om at tænde lyset, fordi jeg ikke vil synge til en sort væg. Jeg vil se mennesker, deres øjne, deres reaktioner, alt. For mig fodrer jeg så meget med det. Hvis jeg ikke føler, at de er med mig, eller de ikke reagerer positivt, ændrer jeg min kurs på stedet. Det er en samtale. Publikum reagerer og kommunikerer tilbage til mig på deres egen måde. Uden publikum, hvem synger vi for? De er en integreret del af koncertoplevelsen. Når jeg har et meget modtageligt publikum, føler jeg, at jeg kan synge alt. Jeg føler mig som en supermand på de dage. Hvis jeg ikke får noget svar tilbage, kan jeg endda begynde at tvivle på mig selv.

Bruger du kontakten med publikum som en teknik til at få deres feedback?

Jeg tror, ​​at du i de første par sange selv kan finde de lommer i publikum, der virkelig er lydhøre over for det, du laver. Mine øjne og mit fokus vil have en tendens til at gå tilbage til dem naturligt. Jeg gør det ikke bevidst, men det sker instinktivt. Nogle gange ser man instinktivt på dem i et ekstra sekund for deres validering af, hvad man også synger, fordi de stille og roligt har givet mig den feedback op til det punkt.

Er publikum i Chennai lydhøre?

Åh ja, absolut. Du skal huske, at i Chennai er publikum udsat for så meget musik, så den gennemsnitlige rasika i Chennai er ret uddannet i karnatisk musik. Der er en grund til, at alle kommer her fra hele verden. Hvorfor flyttede jeg fra LA til Chennai? At lave et navn her er virkelig udfordringen. Publikum her er meget kræsne, men vil give dig ærlig feedback.

Sandeep Narayan siger, at man kan slippe afsted med visse ting som borderline -gimmicks nogle steder, men i Chennai skal man være forsigtig, fordi publikum har set det hele. (Ekspresfoto: Rajappane Raju)

Hvor generøse er de til at give feedback?

Du kan slippe afsted med visse ting som borderline -gimmicks nogle steder, men i Chennai skal du være forsigtig, fordi publikum har set det hele. Jeg kan sige, jeg har turneret verden rundt og sunget for alle publikummer, men Chennai vil svare jeg er ligeglad med hvor du er blevet af, du skal synge for mig nu. (griner)

Det er ydmygende på mange måder. At få en positiv reaktion fra et Chennai -publikum betyder meget. Og de reagerer, de giver det, hvor det skyldes. Hvis du prøver at gøre noget for at få deres påskønnelse, vil de gennemskue det. Men hvis du og din musik er ægte, reagerer de. Du kan blive overrasket, når de værdsætter noget, når du ikke havde forventet det. Det kan være et reality check.

Det er skønheden i Chennai-økosystemet, fordi det er det, der opretholder denne karnatiske tradition. Er det ikke?

Ja. Økosystemet handler ikke kun om kunstnerne, men også publikum. Uden dem skubber vi muligvis ikke vores musik til højere niveauer. Jeg fortæller altid studerende og kunstnere, der bor uden for Chennai, at komme her og se, hvad folk i deres aldersgruppe eller jævnaldrende laver musikalsk.

miniature stedsegrønne træer til landskabspleje

God pasform er succesfuld i Chennai og andre steder, ikke?

Det er den ideelle balance. Her finpudser du virkelig dine evner. I mellemtiden vil optræden andre steder lære dig at præsentere anderledes for forskellige målgrupper. Begge dele er nødvendige for at være en succesrig performer.

Gør improvisationens udfordring dig sårbar på scenen?

Jeg føler, at man skal være lidt sårbar på scenen. Jeg føler mig ked af det, hvis en kunstner føler, at det, han eller hun vil præsentere på scenen, skal være perfekt. I det øjeblik du begynder at gøre det, udforsker og udvider du ikke din musikalske kreativitet så meget som du er i stand til. Nu er du mere bekymret for den kommercielle pakke. Du prøver at bevare et mærke eller navn, du har etableret. Der skal være en balance mellem den standard, du har etableret, mens du stadig udforsker kreativiteten. Det betyder, at du til en vis grad skal være sårbar foran publikum.

Når jeg kommer på scenen, er der en bestemt del af mig, der er selvsikker og siger: Okay, det er min komfortzone. Men hvis jeg kun vil gøre det, jeg ved er sikkert og allerede testet, hvordan skal jeg så gå til det næste niveau som kunstner? Sårbarheden, jeg refererer til, handler om at åbne dig selv for publikum og sige, hej, jeg prøver noget og lad os se sammen, hvordan det går. Det er også en del af den samtale, jeg talte om tidligere.

Sandeep Narayan optræder ved en koncert i Kuthiramaligai, Thiruvananthapuram, i 2015.

I en af ​​vores amerikanske turnékoncerter prøvede jeg en kompliceret korvai, som jeg havde øvet tilstrækkeligt, men det fungerede ikke bare, mens jeg var på scenen. Det virkede ikke en gang, to gange og tredje gang tænkte jeg okay det ville ske, men det gjorde det ikke. I det øjeblik var der noget i min hjerne, der var ved at slukke. Hvis jeg havde fået et minuts stilhed til at tænke og finde ud af det, havde jeg været i stand til at klare det; men talam foregik, publikum så på, og der var ikke tid til at tænke. Endelig blev jeg færdig med en anden korvai. Men da mridangam -artisten begyndte at spille solo, spillede han korvai korrekt. Jeg sluttede mig med det samme og sang det med ham. Så meddelte jeg til publikum, at det var det, jeg forsøgte at synge. Jeg sagde også, at hvis jeg ikke havde fået det, havde jeg ikke kunnet sove den nat! (griner)

Disse ufuldkommenheder gør koncerter mindeværdige, ikke sandt?

Jeg tror det, men jeg vil ikke have, at sådanne ting skal ske ofte. Hvis der sker noget naturligt og organisk, er det fint. Der skete noget off-the-plan, og jeg var gennemsigtig. Jeg tror, ​​det er den sårbarhed, som vi talte om. Jeg vil have, at min koncert skal være så ægte som muligt.

Hvordan planlægger du en koncert?

Jeg forsøger ikke at gentage de ragas og kompositioner, som jeg har sunget på det sted i den seneste tid, men du kan ikke undgå gentagelse nogle gange, hvis du vil inkludere en ghana raga, da der kun er et begrænset antal af dem. Og normalt, hvis jeg undgår dem i en koncert, vil folk naturligvis spørge, hvorfor der ikke var Bhairavi, Thodi eller Kamboji osv. Og de har også ret. Sandsynligvis, for at undgå gentagelse, vil jeg synge en anden komposition eller bruge en ghana raga i en Pallavi en dag, og som den vigtigste en anden dag osv.

Den anden ting er at få en række forskellige komponister og talams. Og også forskellige ragas med hensyn til kontrast. Du skal tage lytteren med på den rejse, og derfor giver du lidt variation.

Det kommer også an på, hvor jeg synger. I Tamil Nadu synger jeg en eller to tamilske sange, i Karnataka, en eller to Kannada -sange og i Kerala en eller to Swathi Thirunal -sange. Bland kendte sange, og tilføj en eller to sjældne sange. Vi skal hele tiden balancere. Sådan nærmer jeg mig en koncert. Ændrer jeg listen efter at have stået på scenen? Ja, hele tiden. Efter at have nået mødestedet og set publikum, tror jeg nogle gange, at min plan ikke fungerer godt, og derfor foretager ændringer i spilletid!

Når folk kommer til dig med anmodninger under koncerten, forstyrrer de så din ordning?

Hvis jeg får en anmodning på forhånd, er det lettere at indarbejde det i min koncertplan. Nogle gange stemmer disse anmodninger også overens med din tankegang. Nogle gange gør de det ikke, men jeg har ikke noget imod. Under alle omstændigheder gør jeg mit bedste for at imødekomme de fleste anmodninger, jeg modtager under koncerter. Det er jo vores opgave at synge, hvad publikum vil.

Nogle sangere tilføjer nye kompositioner i deres repertoirer for at samtidige deres koncert? Sig for eksempel at tilføje moderne poesi som en komposition eller en Pallavi.

Jeg gør det nok ikke aktivt, fordi der allerede er så meget derude. Måske er det noget, jeg ville gøre mere bevidst undervejs, når jeg føler, at tiden er inde.

Hvad er din tilgang til udforskning af ragas?

Der er normalt et skelet til almindeligt hørte ragas, og det er vores opgave at fylde det kreativt op. Ghana -ragaerne tilbyder meget omfang i den henseende. Og i de fleste ragas er der altid etablerede sangathis, du kan falde tilbage på, hvis en ny vej, du går, ikke virker. Når jeg synger disse ragas, føler jeg mig sikker på at udforske og eksperimentere mere, mens jeg vender tilbage til de tidstestede mønstre og overgange.

Så er der ragas med lidt eller ingen rammer og skabeloner, fordi de næsten aldrig bliver sunget. Dette er den anden ekstreme. Her kommer din frihed fra det faktum, at der er lidt forudgående udforskning. Når jeg synger sådanne ragas, kan jeg prøve at gøre en masse nye ting, for hvem kommer og fortæller mig, at jeg ikke sang det ordentligt? Der er ingen idé om, hvad der er korrekt og accepteret i dette tilfælde.

Sandeep Narayan modtager en pris på Music Academy.

Hvordan håndterer du de sjældent sungne ragas? Hvordan udvikler du dem med begrænsede kompositioner og referencer?

Når min musikalske modenhed vokser, dukker jeg vist forskellige ting op i mit hoved. For eksempel i en sjældent hørt raga som Deepali, bortset fra et par sangathier og en skala, er der ikke blevet etableret meget. I sådanne tilfælde kan jeg tage en seddel og beslutte, at det er mit landingspunkt. Normalt vil ingen sige, at det er forkert. Men du tager en ældre og velkendt raga-lignende Devamanohari-og ændrer landingsnoten, det vil lyde akavet, fordi det allerede er sat i lytternes sind på en bestemt måde. I sådanne tilfælde begynder raga -identiteten at forvandle sig til noget andet.

Men nogle af disse sjældne ragas er hindustani. Kan du ikke bruge Hindustani -referencer?

Du kan, men deres gamakas er forskellige. Raga -tilgangen er en anden. Du kan efterligne Hindustani til en vis grad- sige, at du kan få Pantuvarali til at lyde som Basant eller Puriya Dhanashree. De samme toner, når de synges i hindustansk stil, vil lyde anderledes.

Gør du det nogle gange?

Ja jeg gør. Jeg kan lide det (griner). Det er en personlig præference.

Dette minder mig om en optagelse af en Pallavi af TN Seshagopalan, hvor han synger parallelle sætninger mellem Carnatic Bhairavi og Sindhu Bhairavi (som er som Hindustani Bhairavi). Disse ting er virkelig seje for mig, men du skal være forsigtig, så du ikke afviger fra de noter, der er almindelige med andre ragas. Det er ikke en let ting.

Du er en ganske udtryksfuld sanger. Hvordan emoterer du? Skal du for eksempel føle hengivenheden personligt for at få en andagtssang til at fungere?

Ikke i dem alle, men i nogle gør jeg det. Mange gange vil meningen med sangen hjælpe dig med at få følelserne frem. Nogle gange er følelsen der i selve ragaen. Nogle gange kan det være en forbindelse med sangen eller en forbindelse med komponisten. For eksempel kender vi betydningen af ​​sangen varugalaamo i Manji af Gopalakrishna Bharathi. Jeg synger ikke den sang og tænker på mig selv som den, der længes efter at se guddommen, men jeg får følelsesmæssig tænkning om komponisten, der har skrevet så smukt og beskrevet en sådan situation.

En raga, som du føler dig følelsesmæssigt forbundet sent?

På det sidste har jeg en forbindelse med Thodi. Arten af ​​min forbindelse med ragas er forskellig for hver enkelt, og bliver ved med at ændre sig. Det lyder måske klichéært, men jeg har lært, at der er en grund til, at så mange kunstnere især går tilbage til denne raga, og hvorfor den har det ry, den gør. Det er bare syv noter, men der er noget så stort ud over det. Jeg føler, at jeg går ned ad en Thodi -tunnel og lærer mere og mere om ragaen, når jeg synger den, og når jeg tror, ​​at jeg måske er ude af tunnelen, indser jeg, at der er endnu mere at gøre med denne vidunderlige raga, og jeg går i dybden endnu dybere.